SUYEONT

전시서문

수연, 정이지 2인전 《비누향》

콤플렉스 갤러리

2024

글.이상엽 독립 큐레이터

수연, 정이지의 2인전 ≪비누향≫은 두 사람에게서 나는 같은 향, 친밀감과 편안함을 둘러싼 시간과 관계를 은유한다. 매일 두 손에 닿아 만져지고 또 닳아가는 비누, 이 사물의 물리적 외양이 사라질 때 그 향은 사물을 만지고 사용한 사람의 손과 몸으로 자리를 옮겨 간다. 생활의 한편을 구성하는 사물로써 비누, 누군가의 하루 동선 속에서 그 몸에 매일의 잔향을 남기는 비누의 은은한 개입처럼, 보이지 않는 시간과 향, 관계 같은 것들이 알게 모르게 우리의 일상을 보살피고 지지한다. 눈에 띄지 않는, 그러나 내밀한 삶을 구성하는 요소로 ‘비누향’이 지닌 직관적이고 동시에 은유적인 의미들이 수연, 정이지의 작업에 녹아든다. 수연과 정이지는 전시 제목으로 사용된 ‘비누향’을 작업의 주요한 인상으로 머금고서, 자연스러움과 편안함, 친밀감 그리고 애착에 관한 두 사람의 이야기를 작업으로 전개한다. 함께 보낸 공통의 시간과 생활 감각, 감정선들은 두 사람의 작업 곳곳에 모습을 비추며, 전면에 드러나기도 한 겹 뒤 숨어 놓이기도 한다.

먼저 정이지가 그리는 사물과 사람에는 그의 일상이 고스란히 반영된다. 가령 잔과 초, 비누와 냅킨, 가까운 사람의 얼굴이나 형체가 그의 그림에 반복해 등장한다. 정이지가 그리고자 결정하는 것들은 모두 자신의 생활 일부를 구성하거나 그에게 영향 또는 감응을 가져다 주는 것들이다. 이 영향과 감응은 강렬한 감정이나 화려하게 시선을 사로잡는 반짝이는 사물들에 있기보다, 오히려 그 반대편에 위치할 법한 평범하고 일상적인 것들로 향한다. 정이지의 그림이 편안한 이유는 그 때문인데, 이는 그의 삶이 가볍고 단순해서가 아니라 그가 자신을 위치시키고자 하는 곳, 제 마음을 두고자 하는 곳이 편안함 속에 있기에 그렇다. 이 편안함의 고리는 정이지의 정물 작업 뿐 아니라 인물 작업에서도 감지된다. ≪비누향≫에서 선보이는 신작 < 안녕 >, < 별자리 >, < Pupa >에 얼굴과 형상으로 묘사되는 인물은 모두 동일한 사람, 수연이다. 낯선 존재가 아닌 줄곧 자신의 삶에 중요한 자리를 차지하는 친밀한 사람들을 그려온 정이지는 이번에도 질릴 새 없이 한 사람을 제 마음에 새기듯 화면에 새긴다. 애정 어린 시선, 그가 느끼는 감정과 느낌, 관계의 밀도와 내밀함 같은 것들이 정이지의 인물화 주변을 공기처럼 둘러싼다. 그의 그림 속 편안한 상태로 멈춘 사물과 인물로 구성된 장면들은 당연하다는 듯 마주하게 되는 순간이 아닌, 그가 삶의 부침 속에서도 자신의 일상으로 지켜내고 싶었던 순간들이다. 일상의 편안함은 삶에서 자연스럽다는 듯 쉽게 얻어지는 것이 아니라 거의 지켜내는 일에 가깝다.

한편 수연은 ‘둘 이상의 사물이나 현상이 서로 일치하게 대응’하는 의미로 ‘조응’하는 형상들을 자주 그려 왔다. 수연은 나란히, 앞뒤로, 포개어 두 형상/사물/이미지가 하나의 쌍을 이루는 조응의 구도를 만든다. 가령 겹쳐진 두 개의 동그라미, 나란히 놓인 두 개의 별, 두 마리의 새 그리고 나비 등 수연은 형상을 둘로 배열하기를 즐기는데, 아마 그것이 그에게 자연스럽고 마땅한 배치이자 구성이기에 그럴 것이다. 이어 이번 전시에서 선보이는 신작 ‘모눈종이 드로잉 연작’은 36장의 모눈종이 위로 이미지와 색을 천천히 쌓아나간 과정의 작업으로, 종이들이 제 몸의 끝을 서로 맞대고 줄지어 크고 작은 하나의 장면들을 구현한다. 36개의 개별 이름을 가진 이 드로잉 시리즈는 하나의 이미지와 그에 상응하는 각 제목을 하나씩 눈으로 맞춰 보며 읽게 하는데, 이 과정은 마치 어린 아이가 사물을 인식하고 말을 익히기 시작할 무렵, 그림과 단어를 결합하며 언어를 배워가는 일과 닮아 있다. 그건 어쩌면 수연의 작업에서 느껴지는 순수함과 이어지기도 하는데, 이 순수를 어떻게 설명할 수 있을까? 순수의 이미지들은 물에 녹아 손에 스며드는 비누의 향처럼, 자연스럽게 수연의 작업들이 놓인 공간에 퍼져 나간다. 이 일은 옥사 천에 바느질한 작업 < Songs without words >의 제목을 따라 말 없이 그저 자연스럽다는 듯 이미 벌어지고 있다.

≪비누향≫은 간과하기 쉬운 매일의 삶에 놓인 반복되는 시간과 가까운 관계, 간직해야 할 감정들을 다룬다. 그리고 이에 따라 오는 상태로써 자연스러움, 편안함 그리고 친밀함에 대하여. 이 단어들이 가진 가뿐하게 아름다운 의미와 모양새는 실제 삶에서 저절로 발생할 일 없고, 자신의 삶에 맞닥뜨린 매일의 문제들의 가지를 쳐내고, 힘써 살아내고, 하루하루 제 일상과 마음을 지켜나갈 때 한순간 빛처럼 혹은 좋은 향을 들이마실 때의 짧은 호흡처럼 찰나로 찾아든다. 그리고 정말 중요한 게 무엇인지. 그건 이 빛과 향을 감지하고 제 삶에 두려는 의지, 자신의 삶에 밝은 빛과 좋은 향이 깃들 거라는 어쩌면 그 단순하고 순수한 믿음 속에 있는지도 모른다.

Introduction

Suyeont, Jeong Yiji Duo Exhibition

《Scent of Soaps》

Komplex Gallery

2024

Texts by Independent Curator Sangyeop Rhii

Scent of Soaps, a duo exhibition by Suyeont and Jeong Yiji, is a metaphor for the same scent that comes from two people, the time and relationship they share in intimacy and comfort. A soap that is touched and worn by hands every day, when the appearance fades, its scent replace to the person who touches and uses it. Like the delicate intervention of soap as an object that makes up a part of our lives, leaving a daily scent on someone's body as they move through their lives, time, scents, and relationships subtly support and nurture our daily routines. The intuitive and at the same time metaphorical meaning of ‘Scent of Soaps’ as an unnoticed, yet intimate component of life is incorporated into Suyeont and Jeong Yiji's work. Suyeont and Jeong keep the Scent of Soaps ; which is the title of the exhibition, as the main impression of their work, and develop their story of naturalness, comfort, intimacy and attachment through their work. Their shared time, lifestyle, and emotional connections are evident throughout their work, both in the foreground and hidden behind layers.

First of all, the objects and people Jeong Yiji draws reflect her daily life. For example, glasses and candles, soap and napkins, and the face or figure of someone close to her appear repeatedly in her paintings. The things she decides to paint are all things that form part of her life or that affect and inspire her. Rather than intense emotions or glamorous, eye-catching, shiny objects, this affect and inspiration is directed towards the ordinary and mundane. Her paintings are comfortable, not because her life is light and simple, but because that's where she wants to place herself, where she wants to place her heart. This circle of comfort can be detected not only in Jeong's still life works, but also in her portraits. Presenting in Scent of Soaps, the new works < Bye >, < After Shower >, and < Pupa > all depict the same person, Suyeont, whose face and figure are depicted in the works. As she has always portrayed intimate people who are not strangers but occupy an important place in her life, Jeong tirelessly carves one person into her paintings as if etched into her heart. The affectionate gaze, the emotions and feelings she feels, the density and intimacy of the relationships - these are the things that surround her portraits like an atmosphere. Scenes in her paintings, consisting of objects and people in a comfortable pause, are not moments she encounters for granted, but moments she wishes to preserve as her own routine in the midst of life's ups and downs. The comfort of daily life is not something that comes naturally to us, but something that we almost have to fight for.

On the other hand, Suyeont has often painted ‘harmonious’ figures, in the sense of ‘two or more objects or phenomena corresponding to each other’. Suyeont creates compositions of harmony in which two figures/objects/images are paired together, either side by side, back and forth, or encompassed. For example, two circles overlapped, two stars side by side, two birds and a butterfly, etc. Suyeont enjoys arranging shapes in pairs, perhaps because it is a natural arrangement and composition for her. Following this, the new work in the exhibition is a ‘series of drawings on graph papers’, a process of slowly building up images and colors on 36 graph papers, with the ends of the papers lined up against each other to form a single scene, large or small. The series of 36 individually named drawings invites the viewer to read each image and its corresponding title, one by one, as their eyes try to piece together the image. This process resembles the way a young child learns language by combining pictures and words, just as they begin to recognize objects and understand words. This is perhaps connected to the purity of Suyeont's work, yet how do you explain this purity? The images of purity are like the scent of soaps that dissolves in water and permeates your hands, naturally spreading into the space where her work is placed. This happens spontaneously, without words, as in the title of < Songs without words >, a work stitched on a Oksa fabric.

Scent of Soaps is about the repetitive routines of daily life, intimate relationships and feelings that are often forgotten. And the states that come with it are 'naturalness', 'comfort', and 'intimacy'. Having simply beautiful meaning and appearance of these words do not arise spontaneously in real life, but come like a flash of light or a brief breath of a good scent when you are dealing with the daily problems of your life, struggling to survive, and protecting your mind. And what really matters. It may be in the will to sense this light and scent and place it in your life, in the simple and pure belief that life will be bright and scented with goodness.

Translation Kyeonghoon Seung

전시리뷰

수연, 정이지 2인전 《비누향》

콤플렉스 갤러리

2024

글.문그루

방 안으로 어떤 거대한 표정이 밀려온다. 순수하고도 환각적인 «촛불의 밤(2017)»은 누군가의 빛바랜 초상인 동시에 모종의 세계를 비추는 거울과도 같다. 이 그림은 수연 작가가 유년의 자신을 그린 것으로, 잿빛 섀도잉과 거친 마무리로 인해 한동안 바라보게 만든다. 오래된 것이란, 단순히 현재를 위한 부속된 첨가물이 아니다. 화가의 유년기 자화상은 그만큼 복잡한 정신적 투영체일 것이다. 그리고 오른쪽으로 돌면, 초와 관련된 또 다른 작업인 «하나 그리고 둘(2024)»이 빌트-인 방식으로 걸려있다. 이 그림은 터쿠아즈 블루를 배경으로 묽게 타들어 가는 한 쌍의 초를 안온하고도 심도있게 묘사한다. 특히 심지를 둘러싼 붓놀림은 화폭에 변화의 여지를 주면서도 전반적인 명료도에 기여한다.

지금까지 6년을 함께한 정이지, 수연 작가는 둘이면서도 하나가 되는 법을 알고 있는 것만 같다. 본 전시 «비누향»(2024년 9월 20일 – 2024년 10월 19일, 콤플렉스 갤러리, 이상엽 기획)은 두 사람의 첫 2인전으로, 각자의 회화론과 감정을 매개로 전시를 구성했다. 그린다는 행위는 곁눈질로 샛길을 찾는 일이다. 자기 심미 모식의 한계에서 벗어나 또 다른 고락(苦樂)의 배출구를 찾게 될 때까지, 페인터들은 이 과정을 끝없이 반복하게 될 것이다. 그러나 동행할 이가 있다면, 어쩌면 창작은 이다지 고되진 않을지 모른다.

다음방에선 소소하면서도 사소하진 않은 살갗이 느껴진다. 정이지는 이번 전시에서 주로 대상의 옆과 뒤에서 시선을 지켰다. «Peach Peach(2024)», «안녕(2024)», «Knot(2024)»는 정적인 움직임들을 포착한 작품들인데, 위 작업들은 일종의 미동(微動)으로서의 상태를 초상과 은유로 나타낸다. 페인터는 일순간의 우발적 사건들을 화폭에 옮김으로써, 영속적인 한순간을 부여잡길 욕망한다. 반대편 중앙에 놓인 «별자리(2024)»는 플랫한 붓질로 인해 하나의 덩어리처럼 제시되는데, 더 나아가 그것은 정념의 대상으로서 추앙된다. 비누향을 머금은 물기와 연붉은 생채기의 흔적은 누군가의 뒷모습을 오래 관찰한 사람만이 그릴 수 있는 초상이리라.

정이지 작가가 친숙한 대상들을 화폭에 불러왔다면, 수연 작가는 친애의 방법들을 상상한다. 그는 기호, 그리드, 색면으로 우화적이고도 도상학적인 실험을 이어왔다. 윗층에서 가장 눈을 사로잡은 작업은 수연 작가의 «모눈종이 드로잉(2022-2024)»이었다. 파스텔을 연상시키는 겹겹의 색연필은 레이어를 산뜻하게 쌓아 신비로운 줄기로 키워낸다. 실물의 세계에 존재하지 않는 이 형태들은 다양한 방식으로 변주-복제될 수 있다. 이른바 구성(構成)미술은 가시적인 형태를 빌려와, 추상적인 형상을 배합시키고 또 정제시키는 것이 핵심이다. 수연의 드로잉 연작은 각도와 곡선, 입체감이 독립적이면서 이상적인 범위 내에서 변주를 시행한다. 한편, 입구 하단에 위치한 «네펜테(2024)»는 삼켜질 듯한 영적인 시공을 그려냈다. 얇은 광목천을 포개어 그 위에 아크릴화로 여러 겹 쌓고 지워낸 이 그림은 포근한 색온도가 무척 인상적이다. 화폭에 새겨진 희미한 나선의 곡선들은 색이라기보다는 빛에 가깝도록 아스라하다.

아울러 본 전시는 «도브(2024)», «IVORY(2024)», «방울방울(2024)»을 포함해 비누를 은유하는 여러 소품들이 전체적인 테마를 이어가고 있다. 우정이란 나의 외부로부터 참여하는 것이 아니라, 인격적인 개인이 또다른 개인에게 자신을 선물하는 행위이다. 비누는 녹아 피부에 스며 곧 사라지지만, 전시 «비누향»은 단순한 정화를 넘어, 감각의 세계로 우리를 이끌며 기억의 조각을 엮어낸다. 가장 살갑고도 익숙한 베갯잇의 향기로.

Exhibition Review

Suyeont, Jeong Yiij Duo Exhibition 《Scent of Soaps》

Komplex Gallery

2024

Text by Guru Moon

A huge expression rushes into the room. Pure and hallucinatory « Candle Night (2017) » is someone's faded portrait and is like a mirror that illuminates some kind of world. This painting is of Suyeont's childhood self, and its gray shadowing and rough finishing make us stare for a while. What is old is not just an accessory to the present. The artist's childhood self-portrait may be a complex mental projection. And turn right, another piece related to the candle, «A One and A Two (2024) », is hung in a built-in manner. The painting depicts a pair of candles burning peacefully and in depth against the backdrop of Turquoise Blue. In particular, the brush strokes surrounding the wick contribute to overall clarity while giving the canvas room for change.

Jeong Yiji and Suyeont, who have been together for 6 years, seem to know how to become one even though they are two. This exhibition, « Scent of Soaps (September 20, 2024 - October 19, 2024, Komplex Gallery, curated by Sangyeop Rhee), is the first two-person exhibition of the two, and the exhibition was organized through their own painting theory and emotions. The act of painting is to look sideways. Painters will repeat this process endlessly until they escape the limits of their aesthetic mimics and find another outlet for Joys and Sorrows. However, if there is someone to accompany, maybe creation will not be difficult.

In the next room, you can feel the skin that is small but not small. Jeong Yijii mainly kept her eyes from the side and behind the object in this exhibition. « Peach Peach(2024)», « Bye (2024), and « Knot (2024)» are works that capture static movements, and the above works represent a kind of tremor with portraits and metaphors. Painter desires to capture a lasting moment by transferring an instant of accident to the canvas. « After Shower (2024)», placed in the center on the other side, is presented like a lump due to its flat brush, and furthermore, it is revered as an object of passion. The traces of soap-flavored water and light red raw sneeze will be portraits that can only be drawn by someone who has observed someone's back for a long time.

If Jeong Yiji called familiar objects on the canvas, Suyeont imagined the methods of affection. She has continued an allegorical and iconographic experiment with symbols, grids, and color planes. The work that caught the most eyes on the upper floor was Suyeont's « Graph Paper Drawing (2022-2024)». Layer of colored pencils that are reminiscent of pastels are stacked refreshingly and grown into mysterious stems. These forms that do not exist in the real world can be variations-replicated in various ways. The key to the so-called compositional art is to borrow a visible form, mix and refine abstract forms. Suyeont's drawing series performs variations within an ideal range while the angle, curve, and dimensionality are independent. Meanwhile, « Nepenthe (2024)» located at the bottom of the entrance has drawn a spiritual time and space that seems to be swallowed. The painting, which is made by stacking several layers of thin mineral cloth with acrylic paint and erasing it, has a very impressive cozy color temperature. The faint spiral curves engraved on the canvas are as if they are closer to light than color.

In addition, this exhibition continues with the overall theme of various props that metaphorize soap, including « Dove (2024)», « IVORY (2024)», and « Bang-Ul-Bang-Ul (2024)». Friendship is not the act of participating from the outside, but the act of a personal individual presenting oneself to another individual. The soap melts and soaks into the skin, but the exhibition « Scent of Soaps » brings us to the world of senses and weaves pieces of memory together. With the scent of the most vivid and familiar pillowcase.

전시서문

김아름, 수연 2인전 《영원과 하루》

WESS

2023

글. 신지현 독립 큐레이터

«영원과 하루»는 ‘연결감’을 키워드로 전시의 내외를 관통하는 이야기를 펼친다. 2인전 형식을 통해 만나는 두 작가는 모두 현재 눈에 보이지 않는 세계에 대한 관심을 화두로 다루며 작업을 개진시킨다. 전시는 각자의 작업적 고유성을 드러내는 동시에 유의미한 결절점을 찾는 일, 그것의 가능성을 타진해 보길 시도한다. 작업 내부를 관통하는 기제는 당연하게도 ‘연결감’이다. 불연속적 시공을 이어 붙여 나와 너를 연결하며 하늘과 바다, 우주를 한눈에 보는 것. 떠남과 머무름, 탄생과 죽음, 어둠과 빛으로 치환되는 그 모든 것. 가까이 있지만 함께는 아닌 그것은 모두 ‘영원과 하루’에 대한 은유이자 귀속이다. 시간의 흐름과 공간의 한계를 흐트러뜨려 삶과 사랑, 죽음에 대한 생각을 전복시키자. 전시장에 흩어진 두 작가의 수십 개의 작품이 말하고자 하는 바 크게 다르지 않다. 이들이 한데 모인 이유이자 당위성이 되겠다. 우리는 선형적 흐름을 거부한다. 우리는 명료하기보단 자유롭길 선택한다. 우리는 마주하며 사라짐을 지향한다.

전시는 김아름의 < Heart >(2019)와 수연의 < 부드러운 미래 >(2021)에서 출발한다. 김아름과 수연의 작업은 공통적으로 어떠한 형태를 연상시키지만 가시 세계의 사물과 정확히 조응하지는 않는다. 이들이 가시화시키는 비가시적 세계는 개별적이고 다층적이며, 감정적이고 동시에 자유롭다. 전시는 김아름과 수연의 그림을 관습적 역사로부터 이탈하며 사랑과 도발, 연결과 유대, 초현실주의와 신비주의를 잇는 급진적인 그림으로 바라본다.

(...)

동그라미, 집, 나.

집, 원, 별, 물줄기 등 수연의 세계 안에서 특정 기호로서 등장하는 몇몇 도상은 마치 등장인물과 같다. 집은 자신을, 한 쌍의 기호는 두 사람(의 관계)을 은유한다. 둘의 마음이 가까워지고 맞닿는 순간, 연결의 감각을 한 장면에 표현하기 위해 그는 불필요한 요소들을 제거하고, 더 생략될 수 없는 가장 정제된 선으로 형태를 기록한다. “복잡한 세계를 단순한 기호들로 압축시켜 표현함으로써 광활하고 불가해한 이 세계를 개인이 감당할 수 있는 크기와 형태로 바꾸길 시도한다”는 작가의 말마따나 “최소 단위의 페인팅”이 되겠다. 연결된 감각은 이전에 존재하지 않았던 새로운 마음의 풍경을 열어주고, 그 풍경은 공간을 유영하는 곡선과 도형들의 어울림으로 간결하게 묘사된다. 이렇듯 나에서 시작해 타인, (개인적·사회적) 관계를 구성하는 최소한의 요소를 그림으로 구성해 나아가는 수연의 작업은 단출한 화면 구성에서 감지 가능 하듯 조형성에 있어서 만큼은 즉흥적 선택을 최대한 배제한다. 그의 작업 안에서 비교적 자유로운 감각이 포착되는 모눈종이 드로잉에서 한편으론 수수께끼 같은 수연의 작업에 대한 힌트를 더 많이 얻을 수 있을지도 모르겠다. 모눈종이는 일정한 간격으로 가로줄과 세로줄이 만나 교차점을 이루어 규칙적인 그리드를 기본값으로 갖는다. 수연은 ‘매일 같은 길이로 주어지는 하루’에 대한 은유로써 모눈종이를 선택하고, 여기에 하루의 인상을 기록한다. 작업의 흐름을 통해 이야기를 상상하게 하는 김아름과는 달리 ‘잘 구성된 화면 그 자체를 만드는 것’에 더 관심이 있는 수연은 일상에서 자극을 감각하는 사소한 순간, 사물, 사건을 흘려보내지 않고 모눈종이에 담는다. 문 없는 집들, 놓여진 꽃, 시계, 바람개비, 흔들리는 그리드, (한 쌍 아닌) 하나의 원, 아치에 달라붙은 수많은 기호까지. 그림 속 요소들 중 무엇 하나 상징 아닌 것이 없다고 생각한다면 이 작은 화면은 수연의 복작했던 하루의 미장센이다. 다른 작업에 비하자면 즉흥성의 선과 색이 눈에 띄는 이 드로잉들은 선별된 화면을 구성해 온 수연의 작업 안에서 좀 더 열린 태도로 감각을 담아내기 위한 시도의 결과물들이라 하겠다. 모눈종이라는 지지체에 기본값으로 깔려있는 그리드의 규칙성이 여기에서 수연에게 조금 더 자유로운 시도를 할 수 있도록 뒷받침해 주는 역할을 한 것 아닐까 생각하게 된다.

한편 이번 전시에서 새롭게 시도하는 것은 천 작업이다. 천 역시 모눈종이와 마찬가지로 씨실과 날실이 교차하며 전체적인 색 면을 이룬다. 은은하게 빛을 투과하면서도 약간의 힘과 볼륨이 있는 노방, 옥사 등 천의 성질은 그의 다른 (지지체를 사용한) 작업들과 닮아있다. 조형의 대상은 여전히도 드로잉 혹은 페인팅으로 여러 차례 등장해 온 최소 단위의 도상들이다. ‘그리기의 태도’로 ‘만들어 내는’ 그의 천 작업은 얇게 올린 색연필 드로잉이 겹겹이 쌓인 선과 색의 질감을 담아내고, 묽게 스치듯 올린 아크릴 작업이 물의 질감을 담아냈듯 빛의 질감과 바람의 움직임을 받아들이며 작업과 이 세계를 연결 짓는다. 수연과 김아름 둘 다 수용성 재료의 부드러운 색감을 사용한다는 공통점이 있지만 김아름의 그것은 보다 날것의 느낌이 담겨있다면 수연의 색은 정돈된 감각을 담아낸다는 점에서 둘은 다시 한번 차이점을 갖는다. 염색된 천이 만들어 내는 고운 색과 얇게 반짝이는 스티치는 수연의 다른 작업과 다르지 않게 최소의 최선만을 담아낸다. 이렇듯 일관된 감각을 공유하면서도 여러 지지체 간 실험을 오가는 수연은 자신만의 외피를 여러 겹으로 지어나가는 중이다.

하늘로 오르기를, 땅으로 흐르기를.

여기 모인 김아름, 수연은 진지하지만 무겁지 않게, 삶 속에서 마주했던 순간과 감정을 그림으로 붙잡으며 새로운 시공으로서의 영원 만들기를 시도한다. 전시 공간을 복수의 레이어로 감싸듯 구성된 «영원과 하루»는 테오 앙겔로풀로스(Θεόδωρος Αγγελόπουλος)의 동명의 영화에서 제목을 차용했음을 밝힌다. 영화가 흩어진 시어를 모았듯, 나선형 계단을 올라 도착한 이곳에서 흩어진 이미지와 상징을 모아 서사를 꿰어

내자. 글의 출구이자 전시의 입구로 기획자가 주운 시구를 남긴다.

“어쨌든 나는 너를 사랑해. 너는 내 몸 전체에 박혔어. 그리고 이건 너와 상관없는 일일 거야, 아마.”1

1 김혜순, < 겨울 나무 > 중 발췌. 『불쌍한 사랑기계』(1997, 문학과지성사) 62쪽 수록.

Introduction

Areum Kim, Suyeont Duo Exhibition

《Eternity and a Day》

WESS

2023

Text by Independent Curator Jihyun Shin

«Eternal and A Day» tells a story that penetrates the inside and outside of the exhibition with the keyword 'a sense of connection'. The two artists, who meet through a duo exhibition, both deal with interest in the currently invisible world as a topic and express their work. The exhibition reveals each one's uniqueness in their work and at the same time attempts to find meaningful nodules, and explore the possibilities. The mechanism that penetrates the inside of the work is, of course, a 'sense of connection'. Connecting me with you by connecting discontinuous time and space, looking at the sky, the sea, and the universe at a glance. All of them are replaced by leaving and staying, birth and death, darkness and light. Close but not together, they are all metaphors and attributes to 'Eternal and a Day'. Let's disrupt the passage of time and the limitations of space to subvert the thoughts of life, love, and death. The dozens of works of the two artists scattered in the exhibition hall are not much different from what they are trying to say. It will be the reason and justification for them to come together. We reject the linear flow. We choose to be free rather than clear. We aim for disappearance facing each other.

The exhibition begins with Areum Kim’s "Heart" (2019) and Suyeont's "A Soft Future" (2021). The work of Areum Kim and Suyeont is reminiscent of some form in common, but does not exactly correspond to objects in the visible world. The invisible world they visualize is individual and multi-layered, emotional and free at the same time. The exhibition sees the paintings of Kim Areum Kim and Suyeont as radical paintings that break away from conventional history and connect love and provocation, connection and ties, surrealism and mysticism.

(...)

Circle, house, me.

Some of the icons that appear as specific symbols in the world of Suyeont, such as houses, circles, stars, and water spray, are like characters. The house metaphorizes itself, and a pair of symbols metaphorically the relationship between the two. The moment the two hearts get closer and touch, he removes unnecessary elements and records the shape with the most refined line that cannot be omitted further in order to express the sense of connection in one scene. "By compressing and expressing the complex world into simple symbols, I attempt to transform the vast and mysterious world into a size and form that individuals can afford," the artist said, becoming "a painting of the smallest unit." The connected sense opens up a new landscape of the mind that did not exist before, and the landscape is concisely described as a harmony of curves and shapes that swim through space. In this way, Suyeont's work, which starts with me and progresses to composing the minimum elements that make up the relationship between others and others into pictures, excludes improvised choices as much as possible in terms of formativeness, as can be detected in the simple screen composition. On the one hand, it may be possible to get more hints about Suyeont's work, which is enigmatic, from the drawing of graph paper, where a relatively free sense is captured in her work. The graph paper has a regular grid as the default value as horizontal and vertical lines meet at regular intervals to intersect. Suyeont selects graph paper as a metaphor for "a day given at the same length every day," and records her impression of the day here. Unlike Areum Kim, who makes her imagine the story through the flow of work, Suyeont, who is more interested in "creating a well-organized screen itself," puts it on a graph paper without letting go of trivial moments, objects, and events that sense stimulation in her daily life. Doorless houses, flowers placed, a clock, a pinwheel, a shaky grid, a circle (not a pair), and numerous symbols attached to the arch. If you think there is nothing that is not a symbol of one of the elements in the painting, this small screen is Suyeont's mise-en-scène of the busy day. Compared to other works, these drawings, which stand out in the lines and colors of improvisation, are the result of an attempt to capture the senses with a more open attitude within Suyeont's work, which has composed the selected screen. I wonder if the regularity of the grid, which is laid as a default on a support called a graph paper, played a role in supporting Suyeont to try a little more freely here.

On the other hand, what She is trying anew in this exhibition is the work of fabric. Fabric also intersects the warp and warp, just like the graph paper, and forms the overall color. The properties of fabric such as Nobang and Oksa, which pass through light subtly and have a little power and volume, are similar to other works of hers (using support). The objects of the formation are still the smallest unit paintings that have appeared several times through drawing or painting. Her fabric work, which is "made" with the "attitude of drawing", captures the texture of lines and colors layered with thinly raised color pencil drawings, and connects the work with the world by accepting the texture of light and the movement of the wind, just as the acrylic paintings, which is raised thinly, contains the texture of water. Both suyeont and Areum Kim have in common that they use soft colors made of water-soluble materials, but the difference between the two is that Areum Kim has a more raw feel, while suyeont's colors have a sense of orderliness. Unlike other works of Suyeont, the fine colors and thinly shiny stitches produced by the dyed fabric contain only the smallest amount of best. While sharing this consistent sense, Suyeont, who goes through experiments between various supports, is building her own outer skin in many layers.

May it rise to the sky, may it flow to the ground.

Areum Kim and Suyeont, who are gathered here, try to make an eternity as a new time and space by holding on to the moments and emotions they faced in their lives, serious but not heavy. « Eternity and a Day, which are organized as if the exhibition space is wrapped in multiple layers, reveals that they borrowed the title from Theo Angelopoulos's film of the same name (Θ όδρως Αυοςόπολ). Just as the movie collected scattered poetry, it collected scattered images and symbols from the place where they arrived up the spiral stairs to thread the narrative. I will leave the first line that the curator picked up as the outlet of the text and the entrance to the exhibition.

"I love you anyway. You're stuck all over my body. And this has nothing to do with you, maybe."1

1 Excerpted from "Winter Tree", by Kim Hye-soon. Includes 62 pages of "The Poor Love Machine" (1997, Literature and Intelligence History).

전시서문

개인전 《부드러운 미래》

전시공간

2021

글. 김맑음 독립 큐레이터

아스라이 동이 트는 새벽이, 폭풍우 치던 밤에게

헬레나 캠벨은 타인의 마음을 정확하게 읽을 수 있다는 녹색 광선의 전설을 좇아 여행을 떠난다. 켐벨과 일행은 태양이 질 때만 잠시 볼 수 있는 그 순간을 몇 번이나 실패한 끝에 마주한다. 하지만 헬레나도, 모험을 함께 했던 올리비에도 녹색 광선을 보지 못했다. 대신 그들 서로는 각자의 눈에서 검은 광채와 푸른 광채를 보았다. 그렇게 그들은 그것을 모르는 사람들, 그것을 알고 싶어하는 사람들에게 전설을 찾는 일을 맡긴다.[1]기나긴 역사 속에서 녹색 광선을 찾아간 이들은 얼마나 많을 것인가. 하지만 헬레나와 올리비에는 다른 것을 찾았다. 그들이 발견한 검고 푸른 광채에는 녹색 광선이 갖고 있는 유구한 믿음의 축적이 없다. 수신과 발신 사이를 오가는 짤막한 깜빡임들만 있다. 앞면에는 그들의 검고 푸른 광채가, 뒷면에는 작은 이야기가 들어간 우편엽서처럼 말이다.

잠시 우편엽서에 대한 세르주 다네(Serge Daney)의 이야기를 빌려오자면, “우편엽서는 코드화된 메시지들, 혹은 우리가 이런저런 공간의 세계 속에 들어가 있음을 타인과 공유하기 위해 사용되어질 때 이상적인 수단”이다. 그는 엽서를 이미지로 여기면서 “현실 자체로부터 신비하게 등장한 일상적이고 격식 없”는 성격을 가진다고 본다. “사적 소통의 장소”가 되는 것이다. 동시에 “모든 이들에게 가시적이기 때문에 그것을 욕망하는 이들은 그 이상을 보기도 한다”며 엽서를 영화 자체의 메타포로 여긴다.[2]

여기서 놓치지 말아야 할 것은 누군가에게 봉투가 담긴 편지가 아닌 엽서 쓰기가 갖고 있는 조금 특별한 전달 과정이다. 한 개인이 전달하는 사적인 순간은 그 과정에서 다른 이의 손가락 사이에 종이 한 장으로 잡히기 때문이다. 그 종이를 뒤집어보는 것은 누군가의 자유이겠지만, 대다수의 사람은 엽서를 뒤집기 전 앞면의 그림에서 잠시 멈출 것이다. 엽서의 앞면 그림들은 뒷면의 소박한 ‘순간’과 ‘감정’과 관련될 수밖에 없기 때문이다. 전시 《부드러운 미래》는 잠시 멈춘 그 시점을 길게 늘어트린 것이다.

우편엽서와 회화를 나란히 놓아보자. 회화의 기원에 대한 몇 가지 전설 중, 연인이 부재하는 동안 그를 기억하기 위해서 벽에 드리워진 그의 그림자를 모사했다는 이야기가 있다. 비록 전설이라 할지라도, 그 ‘순간’과 ‘감정’은 회화의 기저에서 캔버스의 표면까지 영향을 끼친다는 사실을 등한시할 수 없을 것이다. 아니 어쩌면 회화사를 지탱하고 있는 이즘(ism)에 대한 반복된 믿음이 더 거대한 ‘전설’일 수 있을 것이다. 대신 이곳에서는 그 역사 아래에서 묻혀있던 깜빡이는 소박한 이야기를 꺼낸다. 이야기를 담은 감정의 씬(scene)은 기억되고, 그 가운데 얇은 쇼트(shot)들은 구분되고, 프레임(frame)은 씌워진다. 작가는 우리 모두가 하나쯤은 갖고 있는 영화같은 순간들을 얇고 부드럽게 프레이밍 시킨다. 프레이밍 된 회화들은 순간의 메타포가 된다. 앞면의 회화를 뒤집기 전, 길게 늘어트린 잠시 동안 멈추어 보자. 눈 앞에 보이는 것 뒤에 쓰여진 네러티브는 비단 발신자의 것이 아니라 우리의 것이 되기도 할 것이다.

P.S. 이곳의 엽서들은 아스라이 동이 트는 새벽이 폭풍우 치던 밤에게 보내는 것이다.

폭풍우 치던 밤들도 새벽이 있었기 때문이다.

[1] 쥘 베른, 『녹색광선』, 박아르마 역, frame/page, 2016, pp. 270-275.

[2] 세르주 다네, 『영화가 보낸 그림 엽서』, 정략길 역, 이모션북스, 2013, pp. 96-104.

전시서문

개인전 《적막한 밤에 가끔씩》

갤러리175

2019

글. 최리아

고요하게 부서지는 밤

이 그림들은 풍경화면서도 추상화고, 추상화이면서도 동화였다. 모든 것이면서도, 아무것도 아닐 수 있는 무엇. 그것이 바로 검고도 파란 캔버스가 나에게 다가온 인상이었다. 그러나 인상으로 충분한 것일까. 나는 오두막이 그려진 그림으로 간다. 검은 어둠 속에 작은 점처럼 그려진 집은 무자비한 태풍에 비해 너무도 왜소하다. 번개가 치고 있고, 아마 천둥도 뒤따를 것이다. 그러나 이 풍경 속에 빠져들어 가려 할수록, 오두막과 태풍 치는 밤을 가르는 얇은 실선들이 또 한 번 풍경의 환영을 드러낸다. 완벽한 풍경도, 그렇다고 재현되지 않은 풍경도 아닌 그 모호함 사이에서 나는 또다시 유유히 뒤로 가는 이미지를 바라본다. 작은 오두막을 감싸고 있는 심연, 혹은 바탕 이상이 아닌 검은색 물감이 캔버스 사방에 칠해져 있다. 누군가는 그것을 어둠으로, 또는 밤의 메시지로, 혹은 존 버거처럼 풍경이라는 '커튼'으로 느낄 수 있을지 모른다. 그렇게 밤을 닮았으나 너무도 평면적인 어둠이 나와 여기 마주하고 있다. 이것은 작가 자신이 바라본 세계의 추상화된 구체화일까. 그림 속의 집은 기호처럼 반듯하고, 태풍과 나무들 역시 패턴처럼 움직인다. 혼란함은 오히려 코드화되어 있고, 이미지 역시 그 사실을 부정하지 않는다. 그 작은 오두막은 또다시 내부를 드러내며 촛불을 밝히는데, 그것은 어쩐지 어릴 적 동화책에서 본 모습과 흡사하다. 소박하다 못해 촛불 외엔 아무것도 없는 실내. 그리고 그 실내가 다 그려지지 않고 테두리를 강조하며 어둠으로 밀려가는 이미지. 얇게 발린 붓질들이 더욱 그 이미지들을 한 편의 삽화처럼 느끼게 한다. 창밖 번개를 마주하는 실내에서의 작고 희미한 불. 작가는 그렇게 세계에서의 오두막과, 오두막에서 본 세계의 풍경을 나란히 그렸다. 그러나 이것은 작가의 세계가 아닌, 내가 추측하는 세계일지 모른다. 그 '세계'란 모름지기 너무도 추상적이어서, 우리는 저마다의 세계에서 계속 분투한다. 소통인지 고립일지 모르는 그 고투를. 마치 태풍 부는 밤 혼자 놓인 존재처럼.

글을 쓰면서 창밖을 바라본다. 언제나 그렇듯이 빠르게 변화면서도, 변하지 않는 나의 바깥이 끝나지 않고 계속됐다. 솟아난 아파트의 불들이 하나둘 꺼지고, 가로등이 켜졌다. 그 옆으로 난 도로에선 점멸하는 신호등이 무엇인가를 잊었다가 살아나듯이 반짝였고, 차들이 그 위를 달리면서 나의 시야 밖으로 벗어났다. 무수한 레이어들이 마주치며 또 다른 풍경이 되는 그의 그림처럼, 풍경은 모든 것을 말하면서도 여전히 침묵했다. 이렇게 조용한 밤에도 꿈이라는 공간에선 또 다른 분주함이 예고될 것이다. 각자라는 세계가 실재라는 공간과 환영이란 허공 속에 무수히 펼쳐지면서. 그러면서도 동시에 닿지 않고 조우하는 이 이상한 광경이 한없이 지속되면서. 마치 프레임이라는 고립 속에서도 끊임없이 바깥을 요청하는 그 손짓처럼. 우리가 '유성'을 생각할 때, 각자 비슷한 하늘이 모두 다르게 펼쳐지듯-우리는 저마다의 밤을 맞이한다. 같고도 다른 그 어둠 속에서 무언가를 찾거나 놓치면서, 외연이란 심연을 더듬으며 계속 걸어간다. 그렇게 고요하게 부서지는 밤. 어쩌면 만남은 별자리에 있는 것이 아니라, 사라지는 유성을 보는 그 순간에 가까울지 모른다.

작가노트

2024

글. 수연

나는 삶의 무상함을, 그리고 그 속에서 피어난 결코 무상하지 않은 사건을 드러내기 위해 작업한다. 모눈종이 드로잉, 페인팅, 바느질 작업을 오가며 얇은 지지체에 기억하고 싶은 소중한 감각을 새긴다. ‘무상함’과 ‘의미있음’이 공존하는 삶의 속성은 나를 계속 혼란스럽게 만든다. 아무것도 아니지만 모든 것인, 순간이면서도 영원인, 사라지는 것이면서 황홀하도록 아름다운 것이 충돌하는 상태를 작업으로 표현하고자 한다.

작업은 크게 세 부분으로 나뉜다.

첫째, 모눈종이 위에 색연필로 드로잉하는 것으로, 빠르게 순간의 감각을 기록할 때 필요하다. 곧은 가로와 세로선이 만든 질서 위로 자유롭게 모양을 그려나간다. 선은 따라도 되지만, 따르지 않아도 된다. 나는 하루 중 촉을 곤두세우게 만들었던 감각을 살핀다. 수영할 때 손을 스치며 지나갔던 물, 포옹할 때 느꼈던 따뜻함, 아스라히 지나갔던 불안감까지 내가 존재하기에 반응할 수 있었던 강렬한 감각을 찾아 기록한다. 그러한 감각에 집중하는 순간에 내가 살아있음을 가장 강하게 실감한다. 많은 이야기들은 압축되고 단순화되며 암호화되어 표현된다.

둘째, 아크릴과 유채로 하는 페인팅이다. 페인팅은 드로잉에서 구현할 수 없었던 공간적 깊이를 만들어준다. 나는 드로잉에서보다 오랜 시간 캔버스 앞에 머물며 최초로 감각이 발생한 순간과 다시 접촉한다. 두 겹으로 된 얇은 면천은 보드라운 촉각적 감각과 수차례 쌓아 만들어진 옅은 물감층을 통해 본래의 감각에 더 가깝게 다가간다.

셋째, 노방이나 옥사와 같은 반투명한 천을 자르고 바느질하여 모양을 만드는 천작업이다. 천은 가장 적극적으로 관람객에게 다가가 그들의 몸을 감싸고, 동선을 만들어준다. 그것의 얇기는 존재하지만 존재하지 않는, 보이지만 보이지 않는 상태를 전달하기에 적합하다. 천 작업에서 도상은 보다 명료한 경계선을 띄며 실과 바늘을 통해 고정된다.

이 세 가지 작업방식은 서로를 보완하며 유기적으로 이루어진다. 그들이 향하는 곳은 같다. ‘삶의 연약함을 드러낼 것, 그렇기에 더 깊이 기려야하는 순간들을 상기시킬 것’. 나는 전시를 통해 그러한 순간을 선사하고 싶다.

Artist Statement

2024

Text by Suyeont

I work to reveal the impermanence of life and the events that are never impermanent that bloom in it. I move between graph paper drawing, painting, and sewing work and engrave precious sensations that I want to remember on the thin support. The nature of life, in which 'impermanence' and 'meaningfulness' coexist, continues to confuse me. Through my work, I want to express the state in which nothing but everything, both momentary and eternal, disappearing and ecstatically beautiful, collide.

My work is largely divided into three parts.

First, it is a drawing with colored pencils on graph paper, which is necessary to quickly record the sensation of the moment. I draw shapes freely on the order created by straight horizontal and vertical lines. I can follow the line, but I don’t have to. I look at the sensations that made me sharp during the day. I find and record the intense sensations that I could react to my existence, including the water I brushed my hands while swimming, the warmth I felt when I hugged, and the anxiety that I passed by. The moment I focus on those senses, I feel most strongly that I am alive. Many stories are compressed, simplified, and encrypted.

Second, it is a painting with acrylic and oil. Painting creates a spatial depth that could not be realized in drawing. I stay in front of the canvas for a longer time than in drawing and come into contact with the moment the sensation first arose. The soft tactile sensation conveyed by the two layers of thin cotton cloth and the layers of light paint that have been piled up several times bring me closer to the original sensation.

Thirdly, it is a sewing work that is made by cutting and sewing translucent fabrics such as Nobang or Oksa into shape. The fabric most actively approaches the audience, wraps around their bodies, and creates a flow of movement. Its thinness is suitable for conveying a state of being present but not existing, visible but invisible. In sewing work, the iconography has clearer boundaries and is held in place by means of thread and needle.

These three ways of working complement each other and work organically. The place where they are headed is the same. 'To reveal the fragility of life, and therefore remind us of the moments that need to be celebrated more deeply'. I want to present such a moment through the exhibition.

작가노트

2022

글. 수연

나는 당연하게 여겨지지만 사실은 경이로운 사건과 감정들을 그림으로 상기시키고 싶다. 예를 들면, 만남이라는 사건은 늘상 일어나는 일이어서 그 중요성을 잊기 쉽지만 이만큼 아름답다고, 인생을 송두리째 바꿔놓는 것이라고 말하기 위해 알맞는 도상을 찾는다. 물은 이렇게 차갑고 축축하며, 불안은 폭풍우처럼 몰아쳐서 우리를 고립시킨다고, 마치 사탕을 처음 먹었을 때 받았던 충격처럼 삶이 우리에게 전달하는 감각들의 생경함과 놀라움을 그림으로 표현하고 싶다.

감각은 고정된 모양을 가지고 있지 않기 때문에 상황에 따라 때로는 추상으로 때로는 구상으로 드러난다. 예를 들어 ‘두 사람이 긴밀히 연결되었다’는 문장은 기하학적 도형인 원들이 만나는 형상으로도 표현되지만, 가로선과 세로선이 교차하며 만나는 그리드의 형상으로, 화창한 날 들판에 피어난 두 송이의 수선화의 모습으로 표현될 수도 있다. 감각은 상황에 따라 다른 모양을 취하며, 묘사를 늘려가느냐, 줄여가느냐의 차이만을 가지는데 나는 감각이 가진 풍부한 면을 모두 비추고 싶기에 그 표현의 범위를 넓게 열어두고자 한다.

감각을 이미지화할 때 대상을 의미할 수 있는 최소한의 형태를 찾는 것을 중요하게 생각한다. 자아, 사랑, 시간과 같은 개념은 너무도 커다랗기에, 이를 기록할 수 있는 간단한 방법으로 기하학적 도형과 동화적인 이미지를 선택한다. 복잡한 세계를 단순한 기호들로 압축시켜 표현하는 것은 광활하며 불가해한 이 세계를 개인이 감당할 수 있는 크기와 형태로 바꿔보려는 시도이기도 하다. 이러한 과정을 통해 구름이 바다 위에 떠 있고 사과가 비처럼 내리는, 이상한 세계의 모습을 그리는 것도 간단히 이루어지게 된다. 세계가 고정되고 불변하는 절대적인 법칙으로 구성된 곳이라 여길 때 우리는 경직되고 비관적으로 되기 쉽기에 나는 그림으로 그러한 법칙들로부터 자유로운 다른 세계를 상상하면서 세상을 살아가는 유연한 태도를 지켜내고 싶다.

단순한 도상에 비해 채색하는 방식은 정교하다. 연한 아크릴 물감을 쌓아 올려 채색을 하며 도안을 여러 차례 어루만지는 과정은 나에게 의미 있었던 사건을 여러 번 되새겨보게 만든다. 이러한 채색방식은 그림 속 사물과 배경 사이에 어스름한 경계선을 만들어주고, 이러한 경계선은 부드러운 촉감과 함께 주변에 빛이 감도는 듯한 인상을 전달한다. 우리가 신비로운 현상을 떠올릴 때 그 곳에는 빛이 등장하곤 한다. 나에게 있어 중요한 삶의 사건들은 따뜻한 빛을 머금은 풍경으로 상상이 되기에 섬세한 채색방식으로 그러한 장면을 담아내고 있다.

삶이 나에게 주는 감각을 여과 없이 기록하고 싶다. 내가 사랑하는 것들과 일상의 나날들을 소중히 하면서 담담히 그림을 그려나가고 싶다. 무엇보다 많은 것들을 향해 감사한 마음으로 이곳에서 느낀 감정과 감각들을, 삶에서 얻은 깨달음들을 그림으로 충실하게 전달하고자 한다.